Аранжировка: Pavel Ricar (CSFR), Frank Mono, Peter Pan (Germany)
Валерия – вокал (Россия)
Симфонический оркестр Москвы п/у Павла Когана (Россия)
Гитары: Alvin Lee, Phil Palmer, JJ Belle (UK)
Клавишные: Paul Carrack (UK), Eberhard Konig, Guido Hironimus (Germany)
Саксофон: Mel Collins (UK)
Бас: Andy Pask (UK), Gunter Gebauer (Germany)
Ударные: Peter Vrba (Germany)
Бэк-вокал: Anna Mwale (Zambia), Lea Rashidan Abdul Hak (Suriname), Freeda Goodled (USA)
Дебютный альбом Аллы Перфиловой — на тот момент перспективной выпускницы Гнесинки — остался в истории примером грандиозных вложений и наполеоновских амбиций.
Доступна премиум-подписка! За символическую плату 199 рублей вы можете поддержать канал и получить доступ к эксклюзивному контенту.
Редко кто из начинающих артистов может похвастаться таким мощным стартом. Альбом «The Taiga Symphony» претендовал на статус шедевра, не меньше. Продюсер Александр Шульгин решил превратить Аллы Перфилову в мировую сенсацию. Он предложил ей псевдоним Валерия и не поскупился на широкие жесты.
Тексты песен для альбом писал Ричард Найлс, внесший вклад в успехи Frankie Goes To Hollywood, Грейс Джонс и Pet Shop Boys. Музыку — Виталий Бондарчук, работавший с группой «Альфа» и Константином Никольским. Альбом записывался в Лондоне, Мюнхене и Москве при участии сессионных музыкантов экстра-класса.
С самого начала планировалась мировая экспансия: англоязычный материал, навязчивая реклама, дорогостоящие клипы, обложка, на которую поместили всё лучшее сразу: портрет Валерии, Спасскую башню, Собор Василия Блаженного, Статую Свободы и целый оркестр.
Всё было просчитано по всем законам шоу-бизнеса. Что могло пойти не так? Тем не менее, пластинка так и осталась памятником колоссальным затратам, которые не дали ощутимого результата. Западная публика не прониклась, а в России певица Валерия прославилась совсем другими песнями — уже без гигантомании.
Запись и светение: Richard Manwaring
Записано на студиях: GRDZ-Studio (Russia), Farmyard and Reazor Studios (UK), Red/Line Studio (Germany)
Preparation by Frank Mono (Germany)
Produced by Richard Manwaring (UK)
For: Red/Line Music (Germany), Cooperative "Shulgin" (USSR)
Песни на стихи Роберта Рождественского (05, 14) исполняет Иосиф Кобзон.
Эстрадно-симфонический оркестр Центрального телевидения и Всесоюзного радио, дирижер Юрий Силантьев.
Оригинальный саундтрек к двенадцатисерийному советскому художественному телефильму Татьяны Лиозновой, снятому по одноимённому роману Юлиана Семёнова. Музыка к фильму написана композитором Микаэлом Таривердиевым.
Релиз представлен на красном виниле.
Микаэл Таривердиев - советский и российский композитор. Народный артист РСФСР. Лауреат Государственной премии СССР. Таривердиев написал музыку к 132 кинофильмам и ряду спектаклей, а также более 100 песен и романсов, 4 балета, 5 опер, камерные вокальные циклы, симфонию, 3 концерта для органа, 2 концерта для скрипки с оркестром и концерт для альта и струнного оркестра.
Когда я делаю музыку к фильму, я стараюсь поставить себя на место героя. Писать музыку к обычному политическому детективу мне было неинтересно. И я стал думать, что испытывает человек, который был заброшен в Германию задолго до начала этой страшной войны. Мне казалось, что он должен был испытывать тоску по дому. А что такое тоска по дому? Это тоска по людям, по жене. Да, романтично, но что-то не то. А может быть тоску по небу? По своему небу? Ведь небо везде разное. Одно небо в Берлине, другое - в Нью-Йорке, совсем другое - в Москве. Состав воздуха, химический, наверное, один и тот же. Но оно другое, это небо. И вот я подумал, что я сделаю эту тоску. Не по березке, а по небу. По российскому небу.
Так родилась тема далекой родины. Я думал, что на этой теме я решу весь сериал. Но не получилось. Была нужна еще какая-то тема. Ведь это последние месяцы войны. И я подумал о быстротекущих мгновениях, которые проходят, как песок сквозь пальцы. Так родилась тема мгновений. По ходу работы понадобилась еще одна тема - тема тревоги. Все же Тихонов играл полковника немецкой разведки - "характер нордический". И тревогу нужно было загнать внутрь, то есть поручить музыке передавать это состояние. Так появилась тема нервного ожидания, тревоги, беспокойства. А потом понадобилась еще одна тема - тема движения. В машине, пешком, когда герой, наконец, может остаться в одиночестве, погрузиться в свои мысли. А потом появилась еще и краска под "информацию к размышлению". Вот так складывалась музыкальная драматургия фильма.
Далеко не все, что было написано для картины, в нее вошло. Например, мы отказались от нескольких песен, написанных также на стихи Роберта Рождественского. Оставили только две. Иначе структура фильма разрушалась бы. Много не вошло разных инструментальных вариантов, или же они вошли лишь фрагментарно. Я безжалостно отказывался от многого, в процессе мы искали то, что работало бы на успех картины.
Микаэл Таривердиев
Работа над «Семнадцатью мгновениями весны»
В 1968 году Юлиан Семенов написал сценарий фильма о советском разведчике и показал режиссеру Татьяне Лиозновой. Работать над музыкой в нем предложили Таривердиеву. Композитор сначала хотел отказаться, ведь в это время он писал саундтрек к фильму о шпионах — «Резиденту». Но когда прочел сценарий, согласился.
Татьяна Лиознова предложила использовать в фильме образ неба с улетающими журавлями, которые не знают войны и для которых не существует границ.
Цитата:
Я, как всегда, когда пишу музыку к фильму, стараюсь поставить себя на место героя. Ведь Штирлиц — герой собирательный, такие люди существовали, их было трое, тех, кто работал в высших эшелонах немецкой власти. Двое были раскрыты и погибли, один остался жив. Так что же должен чувствовать этот человек? Ну, конечно, меру ответственности, чувство долга. Но что главное? Мне казалось, что он должен чувствовать тоску по дому. <…> Не по березке, а по небу. По российскому небу.
Микаэл Таривердиев
Для фильма Таривердиев написал 10 песен. Каждая из них должна была открывать и закрывать определенную серию фильма. Однако позже Таривердиев решил, что достаточно всего двух сочинений — «Мгновений» и «Песни о далекой родине». Исполнить эти композиции брались многие певцы, в том числе Муслим Магомаев. Однако композитор считал, что их должен исполнить другой певец. «И мы стали переписывать их заново, уже с Иосифом Кобзоном. Он приезжал ко мне в течение месяца к 10 утра, и я с ним занимался, делал песни. Спел он их блестяще», — вспоминал Таривердиев. Иосиф Кобзон записал и другие песни, не вошедшие в киноленту.
Музыкальную тему, которая должна была звучать во время свидания Штирлица с женой, Таривердиев написал сначала для оркестра. Но после монтажа решил, что лучше оставить только фортепианную партию. Татьяна Лиознова, прослушивая музыку, заплакала.
Таривердиев был на пике популярности. Но в 1973 году кто-то прислал в Союз композиторов телеграмму от имени композитора Франсиса Лея. В ней Таривердиева обвиняли в плагиате — якобы музыку для «Семнадцати мгновений весны» на самом деле написал французский композитор. Позже выяснилось, что сам Лей о телеграмме ничего не знал. Репутация Таривердиева пострадала. Концертов меньше не стало, но почти на каждом из них его спрашивали, правда ли, что он украл музыку у Лея. «С тех пор я ненавижу публику», — делился композитор.
В 1976 году фильм был удостоен Государственной премии РСФСР имени братьев Васильевых.
Таривердиев участвовал в создании 132 советских фильмов. В 1977 году кинолента с музыкой Таривердиева — «Ирония судьбы, или С легким паром!» — получила Государственную премию СССР.
01. Увертюра к оперетте «Цыганский барон» (И.Штраус) - 07:32
02. Вальс из к/ф «Моя любовь» (И.Дунаевский) - 03:52
03. Вальс «На прекрасном голубом Дунае» (И.Штраус) - 08:53
СТОРОНА 2
04. Увертюра к оперетте «Вольный ветер» (И.Дунаевский) - 05:32
05. Вальс «Жизнь артиста» (И.Штраус) - 09:13
06. Увертюра к к/ф «Дети капитана Гранта» (И.Дунаевский) - 04:01
Эстрадно-симфонический оркестр Центрального телевидения и Всесоюзного радио.
Дирижёр Ю.Силантьев (01,04)
Большой симфонический оркестр Центрального телевидения и Всесоюзного радио.
Дирижёры Г.Рождественский (03,05) и В.Кожухарь (02,06)
Записи 1970-80гг.
Пластинки альбома «Дискоклуб-3» знакомят слушателей с новыми песнями Олега Иванова, а также вальсами и увертюрами Иоганна Штрауса и Исаака Дунаевского.
Олег Иванов - известный советский композитор, автор песен, многие из которых стали сегодня популярными. Он лауреат XI Всемирного фестиваля молодежи и студентов в Гаване, лауреат премии Новосибирского обкома комсомола.
Известность пришла к Олегу Иванову в 1970 году, после того как его песня «Товарищ» на стихи А. Прокофьева была удостоена звания лауреата на Всесоюзном конкурсе комсомольской песни. В то время Олег только мечтал о композиторской деятельности: он заканчивал медицинский институт и готовился стать врачом. Успех песни «Товарищ» окончательно определил его судьбу, доказав, что музыка - главное его призвание.
В 1976 году Олег Иванов заканчивает Новосибирскую государственную консерваторию. На его счету сегодня немало песен, ставших популярными, среди которых хотелось бы отметить такие, как «Комсомольское слово», «Талая вода», «Девушка из Полесья», «Горлица», «Будут гореть закаты», «Горький мёд» и другие.
Перед вами новая работа композитора, которая представляет нам его в несколько ином качестве. До сих пор Иванов тяготел больше к гражданской и лирической песне. Что же касается новой его работы, то она находится, по его же собственному определению, на слиянии жанров и стилей рок музыки, диско и джаза.
Несмотря на то, что эти песни рассчитаны, в первую очередь, на танцевальные дискотеки, было бы неверным говорить о их сугубо развлекательном характере. Они образуют как бы своеобразный цикл, каждый из номеров которого соединен с другим единой музыкальной мыслью. Кроме того в этих песнях есть и большие чисто инструментальные части.
В записи песен Иванова на пластинку участвовала группа музыкантов под руководством Валентина Бадьярова, известного по своей работе в ансамблях «Песняры» и «Сябры».
Имя замечательного композитора, скрипача и дирижёра Иоганна Штрауса-сына (1825 — 1899) неотделимо от его родного города - Вены. Иоганн Штраус как бы объединил в своих произведениях понятия «серьёзной» и «лёгкой» музыки, Он был «сочинителем танцев», но сколько души, поэтичности, благородства, тонкости и вкуса вложил он в музыку этих танцев! Не случайно Штрауса называли «королём вальсов».
Иоганн Штраус-сын родился в 1825 году. Он рос среди музыки. Все репетиции оркестра Штрауса-отца происходили дома. Отец разрешил трём своим сыновьям брать уроки игры на рояле, но, помня свою тяжёлую юность, ни за что не соглашался на то, чтобы Иоганн посвятил себя музыке. Он заставил сына окончить курс гимназии и политехническое училище, а потом поступить на службу в банк. Но мать, видя влечение Иоганна к музыке и чувствуя его талантливость, тайно от отца делала всё, чтобы он имел возможность изучать теорию музыки и учиться игре на скрипке.
В июле 1844 года учитель Штрауса композитор Дрехслер вручил Иоганну превосходный аттестат, давший молодому музыканту возможность организовать собственный оркестр из 12-15 человек. И вот 15 октября 1844 года в «Венской газете» появилось объявление о том, что в казино Доммайера состоится танцевальный вечер, на котором в первый раз дирижирует собственным оркестром Иоганн Штраус-сын, - будут исполнены различные увертюры, оперные отрывки и, кроме того, много собственных сочинений Штрауса. Это была настоящая сенсация: Штраус против Штрауса! Как вспоминает современник, получить место за столом было труднее, чем депутатское место в английском парламенте.
Произведения Штрауса-сына имели колоссальный успех. Чуть ли не все номера повторялись по три, четыре раза. На другой день «Венская газета» писала: «Доброй ночи, Ланнер! Добрый вечер, Штраус-отец! Доброе утро, Штраус-сын!»
Иоганн Штраус-сын уверенно идёт к мировой славе. Со своим оркестром, увеличенным почти вчетверо, он совершает поездки по Европе, а потом по Америке. Его музыка облетает все страны, а вальс «Голубой Дунай» становится австрийской народной мелодией.
Непрерывные путешествия не мешали Штраусу сочинять. Он сочинял всегда и везде, с поразительной лёгкостью.
Вальсы «На прекрасном голубом Дунае» (соч. 314) и «Жизнь артиста» (соч. 316), написанный в пору рассвета гения композитора (шестидесятые годы), можно считать вершиной в развитии жанра женского вокала.
Г.Ярон
Когда в 1934 году с экранов кинотеатров прозвучал «Марш весёлых ребят», имя его автора - Исаака Осиповича Дунаевского стало известным всей стране. Для большинства это было открытием нового композиторского имени. Однако творческий путь Дунаевского начался значительно раньше и уже был ознаменован рядом успехов. Ко времени выхода в свет фильма «Весёлые ребята» ему уже исполнилось 34 года - он был ровесник века. За плечами осталась харьковская консерватория, где учителем Дунаевского был замечательный музыкант С.Богатырёв, воспитавший многих композиторов. Затем - работа в Московском театре сатиры, ко многим спектаклям которого Дунаевский написал музыку, пользовавшуюся в своё время большим успехом благодаря мелодическому богатству, живости темперамента и остроумию, высокому уровню профессионального мастерства.
Публика сразу оценила талант композитора, но во всю свою ширь он развернулся в кино. Можно даже сказать, что в первые годы существования звукового кино Дунаевский являлся самым популярным кинокомпозитором. Более того - его песни жили самостоятельной жизнью, становились неотъемлемой частью массового музыкального быта.
Дунаевский умел идти в ногу со временем. Вот почему такую популярность завоевала полная молодого задора и лирического чувства его музыка к кинофильмам «Весёлые ребята», «Цирк», «Волга-Волга», «Богатая невеста», «Светлый путь», а также музыка замечательных его оперетт - «Золотой долины», «Вольного ветра», «Белой акации» и других.
В музыке Дунаевского звучит оптимизм, вера в будущее. Слова его знаменитой песни из кинофильма «Весёлые ребята» «Нам песня строить и жить помогает» стали крылатыми.
И сегодня жизнерадостность мелодий замечательного советского композитора близка людям. особенно молодёжи, к которой неизменно обращался он в своём творчестве.
Эстрадный вокально-инструментальный ансамбль «Эолика» создан в 1972 году при Государственной филармонии Латвийской ССР. Цель его создания — пропаганда сочинений советской эстрадной музыки. Руководитель ансамбля Борис Резник — воспитанник Латвийской государственной консерватории, которую он окончил в 1970 году.
В программах «Эолики» — песни латышских советских композиторов, специально написанные для этого коллектива, а также композиции, созданные участниками ансамбля.
Выступления ансамбля «Эолика» проходят с большим успехом: он участвовал во Всесоюзном фестивале «Мэрцишор» в Молдавии (1977), в днях культуры Латвийской ССР (1976). Успешно проходили гастроли ансамбля и за рубежом: в ЧССР, ГДР, Монголии, Польше, на Кубе.
***********
Ансамбль «Мелодия»
Ансамбль «Мелодия» под управлением Георгия Гараняна был создан в 1973 году. В его состав вошли известные мастера советского джаза, победители различных джазовых конкурсов. По существу, это коллектив солистов, искусство которых отличается высоким профессионализмом, редким даром импровизации, тонким ансамблевым чувством. Аранжировки, созданные самими участниками в расчете на индивидуальные качества каждого из исполнителей, способствуют наиболее полному раскрытию творческих возможностей коллектива.
За время своей работы ансамбль выпустил несколько дисков, пользующихся большим успехом у любителей грамзаписи.
Ансамбль «Мелодия» выступал во многих городах Советского Союза и за рубежом: в Финляндии (1979), Чехословакии (1980), а также на джаз-фестивале в Индии (1980).
***********
ВИА «Модо»
Эстрадный вокально-инструментальный ансамбль «Модо» Государственной филармонии Латвийской ССР создан в 1973 году композитором Раймондом Паулсом. Уже первым своим выступлением «Модо» зарекомендовал себя как ведущий ансамбль и вскоре был признан одним из лучших в стране В 1974 году «Модо» становится лауреатом Всесоюзного конкурса артистов эстрады.
С 1978 года ансамблем руководит Зигмарс Лиепиньш — прекрасный пианист и композитор, чьи вокальные и инструментальные произведения известны широкому кругу слушателей.
Ансамбль состоит из молодых музыкантов. Большое мастерство и виртуозное владение инструментами позволяет артистам свободно и интересно импровизировать, а также аранжировать произведения.
В свои программы «Модо» включает песни Р. Паулса, 3. Лиепиня, Им. Калныня, Ю. Карлсона и других латышских композиторов, а также композиторов братских республик и зарубежных авторов. С искусством ансамбля знакомы слушатели ГДР, Польши, Болгарии, Венгрии, Чехословакии, куда ансамбль «Модо» выезжал на гастроли.
В ансамбле работают талантливые певцы, такие, как М. Зивере и И. Ванзовичс, уже завоевавшие широкое признание слушателей.
ДИСКОКЛУБ 1Б - ПОПУЛЯРНАЯ МУЗЫКА
СТОРОНА 1
01. Половецкие пляски (А. Бородин) – 11:33
Академический симфонический оркестр Московской государственной филармонии, Государственная республиканская академическая русская хоровая капелла им. А.А. Юрлова, дирижер Дмитрий Китаенко
На пластинке звучат шедевры русской классической музыки в исполнении выдающихся симфонических и хоровых коллективов Советского Союза.
В опере «Князь Игорь» А. П. Бородина (1876) с огромной полнотой и силой выразился могучий талант Бородина.
Подчёркивая близость этого сочинения «Руслану и Людмиле» Глинки, Стасов писал: «В ней та же мощь эпической поэзии, та же грандиозность народных картин и сцен». Как и в «Руслане», в «Игоре» миру русской древности противостоит яркий, живописный, исполненный любовной неги и могущественно-стихийный мир Востока. Это с замечательным искусством воплощено Бородиным в «Половецких плясках» - яркой, многокрасочной симфонии грации и отваги.
В 1847 году М. И. Глинка вернулся на родину после длительного заграничного путешествия. «В то время, - пишет он в своих записках, - случайно я нашёл сближение между свадебною песней «Из-за гор, высоких гор», которую я слышал в деревне, и плясовую «Камаринскую», всем известную. И вдруг фантазия моя разыгралась, и я вместо фортепиано написал пьесу на оркестр под именем «Свадебная и плясовая».
Так появилась редчайшая из партитур русской инструментальной музыки – фантазия на две русские песни, названная Глинкой по совету В. Одоевского «Камаринской». Русская симфоническая школа вся в «Камаринской», подобно тому, как весь дуб в желуде», - писал П. Чайковский.
«Сказка о царе Салтане» (1900) – одно из наиболее жизнерадостных, светлых по настроению сказочных опер Н. А. Римского-Корсакова.
В симфоническую сюиту включены оркестровые антракты, предваряющие некоторые картины оперы. Антракт к последней картине (2-я картина 4-го действия) названный «Три чуда», - симфоническая картина волшебного города и изображение его знаменитых чудес: учёной белки, богатырей и прекрасной Царевны Лебедь.
Вальсовость принизывает собой всю музыку балета П. И. Чайковского «Лебединое озеро» (1876) – большинство его дивертисментных циклов и отдельных сцен – танцев. Это в наибольшей мере определяет общий тонус балета, где, несмотря на трагическую ситуацию, господствует радостное юное чувство любви.
Лирическая стихия, песенность и задушевность царят в вальсах «Лебединого озера», впечатляющая художественная сила которых заключается, прежде всего, в их мелодиях, которые, по словам Г. Лароша, «одна другой пластичнее, певучее и увлекательнее».
В вальсах композитор воплощает наивысшую радость и полноту жизнеощущения. В широком, «поэмном» вальсе ля мажор из 1 действия балета.
***********
Основной жанр, в котором дарование А. К. Лядова проявилось с огромной силой, жанр, в котором композитор не знал себе равных, - это миниатюра. Своему сыну Лядов посвятил «Музыкальную табакерку» (1893), «вальс-шутку», волшебную шкатулочку, полную музыкальных чудес, изящную безделушку, восхищающую нас филигранностью отделки и изобретательность приёмов. В. В. Стасов с присущей ему непосредственностью писал Лядову: «Ваша «табакерочная музыка» - прелесть, сущий маленький рубин или изумруд… И как это у вас там мило, в «Табакерке», когда вдруг что-то крякнет или чихнёт вверху! Ах, как мило, ах, как комично и грациозно».
.jpg)
%20(1).jpg)
.jpg)
%20(2).jpg)
.jpg)
%20(3).jpg)
%20(4).jpg)
